La Ilustracion del Pacifico

Grabados recientes de la serie Alto Contraste, 2011

2011-02-08T09:38:00.000-08:00

VIEJO MUELLE DEL PUERTO DE SAN JOSÉ

2010-12-03T09:41:00.000-08:00

Acuarelas recientes, octubre 2010.
Viejo muelle del Puerto de San José.

TALLER XILO-COLLAGE

2010-12-03T09:35:00.000-08:00

Taller Xilo-Collage, 2010.

ALTO CONTRASTE

2010-12-03T09:29:00.000-08:00

Una reflexión en proceso sobre la fotografía y la fotomecánica desde la perspectiva del grabado en madera.

COLABORACIONES

2010-12-03T09:20:00.000-08:00

Fotografías: Ronald Morán , El Salvador, 2005

Acuarelas: Moisés Barrios, 2010

Fotografías: Virginia Pérez-Ratton, Costa Rica, 2005

Acuarelas: Moisés Barrios, 2010

Taller Cutout 2, Guatemala agosto 2010

2010-09-20T11:07:00.000-07:00

Ciclo de talleres de iniciación y profesionalización de gráfica organizados por el TEG.

Proceso del Taller:

-Fotografía Digital
-Manipulación de imágenes digitales
-Transferencia de copia Xerox sobre madera
-Grabado con gubias y estampación

Grabado Escenográfico

2010-09-20T10:59:00.000-07:00

Espacio Escénico para la presentación del III Laboratorio de Creación Escénica:

... En los ojos tenía escondidas dos cabezas de pescados verdes

Febrero 2010.

Cielos de Guatemala…

2010-09-20T10:35:00.000-07:00

El proyecto Cielos de Guatemala fue expuesto por primera vez en el marco del festival Octubre Azul, en 2000. Consistía en una serie de diez acuarelas que fueron colocadas en distintas vitrinas de almacenes de la sexta avenida de la zona uno. El festival tenía como propósito estimular expresiones de arte urbano. La ciudad, y específicamente el Centro Histórico, fue el escenario para exponer formas del arte contemporáneo en espacios no tradicionales.

Las acuarelas, colocadas entre las caóticas exhibiciones de aparatos electrodomésticos, zapatos, telas, bicicletas y otros artículos de consumo estridente, resultaban como un sutil gesto de evocación de los cielos de este país, atrapado en una paradoja que suma belleza natural y violencia extrema. Como posibilidad de reflexión, cada acuarela abría una ventana y apuntaba esa frase recurrente que explica la melancolía colectiva de nuestro país: lástima que el clima no gobierna Guatemala.

El viejo muelle del puerto

2010-09-20T10:18:00.000-07:00

Méndez Vides, Guatemala 2010.

A Moisés Barrios no le gusta la repetición, se sacude de lo igual como de una carga extraña, y cada vez que arranca con una nueva serie creativa pareciera que está negando todo lo ya realizado. Ha incursionado en lo simbólico, en lo imaginario y en lo real, variando técnicas y materiales, pero sólo se siente a gusto en el devenir, renovado y descubriendo nuevas perspectivas plásticas del mundo. Sus cuadros son el lenguaje que relaciona su propia interioridad con la exterioridad que le ha correspondido, abiertamente expresado como un diálogo en voz alta. Las pinturas de Moisés entristecen, impresionan, golpean al espectador, porque están vivas y hablan.

En su maduración como artista se ha venido consolidando en la búsqueda de momentos reales significativos, para lo cual acude a la acuarela como recurso vital, en tanto es congruente con la velocidad y permite aprisionar el instante. Hace más de una década expuso Iztapa, donde el motivo central era la gente en la playa, esa multiplicidad de seres anónimos que visitan el mar como fantasmas contingentes ante la experiencia de lo sublime, visitantes efímeros de la inmensidad del mar, que se aproximan al infinito y ahí se esfuman o integran. La visión era colorida, mágica, donde se presentía el entusiasmo del pintor ante la presencia de los seres vivos captados en lo suyo. Sus personajes trabajaban, pescaban, se divertían o comerciaban, en la representación de un mercado activo, de día y bullicioso. Moisés estaba asumiendo la realidad de la vida de los otros, y los atrapaba en sus pinturas como seres pasajeros tan inmensos como el mar o la arena.

En la actualidad, Moisés Barrios ha regresado al Océano Pacífico pero con otra mirada, más introspectiva pero siempre realista, recurriendo nuevamente a la acuarela. Y su tema es el viejo muelle del puerto de San José, donde lo que impresiona ya no son los pequeños seres mortales ni sus instrumentos de vida, sino el tiempo que queda fijo en las cosas y sus huellas.
Moisés ahora nos plantea una visión reposada del paisaje matutino o vespertino, de cielo generalmente despejado, sin nubes, o enteramente nublado, de fondo blanco percudido sobre el gris abismal de la arena oscurecida por las huellas de quienes la recorrieron antes. El horizonte es la línea donde se encuentran el cielo pálido y el azul de la profundidad del océano. En estos cuadros la excepción a la regla es la borrasca, aunque en su visión pacífica lo que retrata sea el efecto de fin de fiesta, de tormenta a posteriori. Evita las horas de sol y calor, las de gente llenando la playa. Le atraen los momentos de soledad, sin el fastidio del ruido, sin apariencias. El mayor contenido de movimiento lo expresa la marea que sube y baja con la espuma de las olas sin fuerza que agonizan en la playa.

La presencia humana es escasa, casi inexistente, muy limitada en algunos casos o reducida a la distancia del gesto, a la sombra, aunque su ausencia evidencia la existencia pasada. Hay escasos bañistas captados a lo lejos, retirados, algunos niños que corren con el chucho en lo que parece ser su morada cotidiana, ajenos al espectáculo del mar, o se expone los instrumentos de trabajo sin los actores, como la carreta de granizadas, o las figuras humanas como sombras junto a los puestos de comida callejera, donde lo que sobresale son las sombrillas y sillas plásticas. La mirada de las escasas figuras humanas se pierde en el infinito.

Lo que se exhibe con toda fuerza son los restos del muelle aún en pie, con su madera floja, dañada, pero aún resistiendo el embate de las olas, el viento y la lluvia, como memoria de los héroes de la tragedia griega, resistiendo toda adversidad. La estructura es humana, es vieja, y por lo tanto nos enfrenta a lo vivencial y al tiempo, que aparece subordinado al pasado, a lo hecho, a la vejez, al olvido.

En medio de la ruina del muelle, el artista exhibe los trofeos de la pesca, como un negocio de cuerpos sin vida (pescados grises) y otros que aún son peces pero están agonizando (con destellos rojos), colgando cabeza para abajo en el primer plano, ante el fondo de la estructura endeble que cruje.

Los detalles de las uniones de la estructura del muelle evocan la fortaleza y los restos o cenizas del pasado, embargados de mar, de sal, de herrumbre, de arena y tiempo. Las impresiones son equivalentes a apreciar el retrato de trabajadores viejos, que no están pero los presentimos. No se muestra la acción del trabajo sino su resultado en el paso de la vida. El oficio del artista apunta a interpretar en cada detalle real su significado y trascendencia.

En esta nueva serie marítima de Moisés Barrios, enfrentamos la realidad desde el lado gris y las huellas, donde se consuma la representación de lo dicho o lo sido, como la revelación de la necesidad de alejarnos del bullicio para escarbar como arqueólogos en las señas de identidad de nuestra nacionalidad.

EL VIEJO MUELLE DEL PUERTO DE SAN JOSÉ

2010-07-07T10:13:00.000-07:00

Estas pinturas son parte de una serie reciente de óleos y acuarelas, producto de andadas que por muchos años he realizado por la costa del Pacífico guatemalteco. A través de estos incesantes paseos, he buscado imágenes que sugieran haikus, tal y como en el antiguo Japón lo hizo el poeta Masho Basho. Durante uno de estos viajes inició mi obsesión por las ruinas del muelle del puerto de San José. Con mi cámara digital de bolsillo comencé a acercarme a su vieja, oxidada y grandiosa estructura construida aproximadamente en 1880. Fui descubriendo desde ángulos forzados la perspectiva siniestra y hermosa de estas ruinas metálicas. El color rojizo oxidado, en su estructura típica de la Revolución Industrial, acompañaba la fe en el progreso con la construcción de trenes, puentes y muelles de hierro. Estas imágenes dispararon el recuerdo a la obra gráfica de Gianbatista Piranesi, un arquitecto veneciano que en 1700 registró las ruinas de la antigua Roma, con una serie de vistas con perspectivas monumentales. Piranesi las grabó de manera insuperable, al aguafuerte y sobre planchas de cobre.

En cada regreso al muelle, mis charlas con los pescadores, fotógrafos ambulantes y habituales bañistas han enriquecido mi aprecio por ese viejo monumento descuartizado. Me cuentan que, por las noches, poco a poco, van desapareciendo distintos fragmentos del muelle. Son robadas para venderlas como chatarra. No ha desaparecido del todo porque aun es un atractivo del tradicional paseo del turismo local. A través de la imagen del muelle y su paulatina desaparición, resulta fácil hablar del fracaso de nuestra modernidad. No obstante, nuestra visión resulte diferente a la del progreso en el mundo desarrollado.

A través de este tipo de reflexiones, van apareciendo los fragmentos del muelle. Cada uno es un haiku de lo insondable en la memoria del ser humano. Son el resumen de sus expectativas impresas en las construcciones del pasado y borradas a través de la melancólica figura de sus ruinas futuras…

PINTURAS RECIENTES

2010-04-09T10:56:00.000-07:00

ACUARELAS RECIENTES

TROPICALIA

2009-12-11T09:28:00.000-08:00

Emiliano Valdés M.

El centenario del nacimiento del etnólogo francés Claude Lèvi-Strauss en noviembre de 2008, representó el pico de un renovado interés por los estudios etnográficos y antropológicos sobre el hemisferio sur, y en particular sobre América Latina. En ese marco, un nuevo interés por lo tropical y antropofágico, se venía gestando en el ámbito del arte contemporáneo desde finales del siglo XX, quizás desde que en 1998 el tema de uno de los núcleos centrales de la Bienal Internacional de Sao Paulo fue, precisamente, el de Antropofagia. Con aquel término, en 1929 Oswald de Andrade, no sólo le dio una estructura teórica al arte moderno brasileño sino, y sobre todo, atisbó los orígenes de un movimiento que habría de cambiar la forma en que el continente se relacionaba consigo mismo. De hecho, el Manifiesto Antropófago, sentó las bases para una modernizada idea del canibalismo y de la hibridación -diríamos hoy- de las teorías y las prácticas culturales europeas de la época, en función de un régimen de cambio constante, y de la aceptación de las influencias como materia prima complementaria de una reinvención que emergía desde dentro, es decir, desde lo local.

Paulatinamente se genera más de un movimiento (la semana del 22 y Tropicalia, por nombrar poco y atropellado) cuyos propósitos, manifiestos o subyacentes eran, precisamente, reivindicar los valores locales en función de la renovación y la creación de una conciencia de lo propio. Desde entonces, lo tropical se ha configurado como inquietud constante de la identidad latinoamericana, mientras su exploración por Occidente, sufre altos y bajos, meciéndose al ritmo de las mareas que nos golpean bajo su influencia. No obstante, a partir de noviembre de 2008, en ocasión de la reedición de las obras completas de Lèvi-Strauss, los esfuerzos y el interés por intentar de nuevo la comprensión de todo un hemisferio parecen encontrar nuevos surcos, y en el plano artístico, los ejemplos abundan. Actualmente, una serie amplia de muestras importantes y trabajos artísticos exploran la identidad latinoamericana a partir de algunos de sus tópicos característicos y recurrentes: las migraciones, la experimentación, lo “latino” y, por supuesto, lo tropical.

Así, entender desde dentro lo que esto significa, evaluar cómo se da forma a la identidad en función de una categoría tan elocuente como lo tropical, ha sido uno de los centros de interés de la antropología latinoamericana durante los últimos cien años. Las expectativas sobre nuestra presunta tropicalidad son muchas y a menudo tenaces, y es a ellas a las que debemos responder. Y el arte, como uno de los terrenos más fértiles de experimentación sobre temas sociales, no está exento de esas expectativas.

Si en algún momento los motivos de la producción artística local se basaron en imágenes vinculadas, precisamente, a la idea de un paraíso perdido (naturalezas muertas con loros y papayas, indios, zambos o negros bailando alguna danza exótica…), en el posmodernismo esas expectativas cambian: el arte latinoamericano tiene que ser de denuncia política, tiene que abordar la violencia, las migraciones y la pobreza, porque eso es el trópico ahora. En Guatemala, Moisés Barrios ha hecho de esto, y de mucho de lo que significa, la raison d’être de gran parte de su obra. Afortunadamente, ha sabido hacerlo con las herramientas adecuadas, para introducir en esos esquemas contradicciones que funcionan como un virus que destruye las conclusiones apriorísticas sobre lo que somos y no somos.

Y esto nos conduce a los tristes trópicos: pero la relación del trabajo de Barrios con el de Lèvi-Strauss va más allá de algunos nombres compartidos (desde hace años, el pintor lleva a cabo una serie de trabajos con el nombre de la obra cumbre del antropólogo). Subyace en ambos, además de una intención reveladora de lo axiomático, una melancolía por lo que no se ha vivido, o una nostalgia de lo que no ha de volver, que replantea el acercamiento al trópico: siempre exuberante, siempre colorido, siempre palmeras, playa y merengue. Lo interesante de este gesto nominal (mucho de su trabajo cierra el círculo en el título), es precisamente la ironía con las que Barrios ha sabido investirlo. Si bien es cierto que ‘Tristes trópicos’ era una serie de colores intensos, un conjunto de imágenes desasosegantes, también lo es que remitían más a una civilización en decadencia que a una tierra inexplorada. Por su parte, ‘Tropicalia’ recoge –o reinventa– las imágenes de Pacífico Sur en escala de grises, y contradice toda posible asociación con el trabajo homónimo del pintor brasileño Helio Oiticica que dio origen al movimiento músico-interdisciplinario que lo habría de seguir.

En una suerte de apropiación y superposición voluntaria de conceptos, acercamientos e incluso estados de ánimo, Barrios le confiere a esta última serie, mediante una paleta extremadamente restringida, una cualidad tristemente poética, casi onírica, apesadumbrada. Defraudando las expectativas de color (o “colorido”), y no apegándose a las cuotas de la agenda política que debería representar, su obra se mece entre la habilidad técnica y el juego nominal/conceptual. Y es justamente tal contradicción, la que se produce entre contenido y representación, la que abre posibilidades infinitas, no sólo de asociación (con Oiticica, de Andrade y Lèvi-Strauss, entre otros) sino de exploración de la propia percepción sobre esta –nuestra– parte del mundo, intermitentemente relegada a un segundo plano, convertida en cliché y t(r)ópico.

Las imágenes reposadas de una latitud rica y exuberante dan paso a instantáneas de un Pacífico distante, como retratado a través del lente de un hábil fotoperiodista que evalúa daños tras un huracán. En ‘Tropicalia’ hay un halo de desolación y destrucción, como si fuera una premonición de lo que le habría de suceder a ese trópico intenso bajo nuestra desidia, nuestra indiferencia. Porque el Pacífico nunca ha sido el océano privilegiado: no es el que nos comunica con Occidente, es decir, con aquellos con los que de Andrade quiso dialogar. Más bien nos remite a mundos más lejanos, más distintos, y quizás por lo mismo, más cercanos a nosotros mismos. Pero acaso este sea el siglo del Sur. Del Pacífico Sur (el de la China y Oriente, sin duda), y esa posible relación con un otro inusual, le atribuye a este trabajo un gesto también antropológico.

Además, las obras de ‘Tropicalia’ reivindican un territorio que, a decir verdad, nunca fue lugar de descanso y veraneo, como en Europa. El propio Moisés Barrios hizo contacto con éste tardíamente, y lo hizo, como ya dijimos, con un poco de nostalgia imposible, de aquella de lo que no se ha vivido. A través de sus obras, y en una operación asociada a la relación con lo desconocido -y con un escrutinio de las propias certezas-, el artista lleva a cabo una revisión ulterior y un cuestionamiento sobre los valores y las formas de la tropicalidad, que desafían las expectativas que se tienen de esta región. En el arte, en la vida.

Hélio Oiticica: El cuerpo del color en la Tate Modern; Tarsila do Amaral en Caixa Galicia; Visionarios – Audiovisual en Latinoamérica en el Reina Sofia, por nombrar sólo algunas.

ÓLEOS Y ACUARELAS, SERIE TROPICALIA 2009